文创．身为职业爵士音乐家（3之2） 音乐创作 不画地自限

特约：郑泽相

动手做才知道，从听到声音到把这声音化成具体的符号写在纸上，一直到演奏出来，其实是一段段过程。就是动手做，学习如何克服这些障碍，知道自己的想像和具体情况，很多时候有所出入，训练自己如何有效地转化点子成为声音……

要成为音乐家，就要真正地听音乐，尽量不要将音乐当成背景音乐，变成声音墙纸，播著音乐做别的事。当然，有的时候就只是要放松心情，拿音乐做调剂品，那无可厚非。不过，如果要成为音乐家，要做功课，这样听音乐等于没听（当然我不否认，这样听音乐的潜移默化作用，不过应该只是消遣娱乐的时候这样做，功课还是要做）。

如果想要从中学到什么，听音乐还是需要聚精会神，坐下来好好听。怎么说？要分析你听到什么，和声如何移动、旋律如何配合和声？为什么这个和弦这么好听，配上这个节奏，如何做到这个节奏？这是什么节拍的组合？如果将这组合的音乐，改成钢琴演奏要如何去做？这里乐音的轻重，如果显微地分析会是如何？再深入一步，可以了解关于录音、混音、配器、曲式、历史、歌词和旋律的配合等各种知识。

这样将音乐资料分门别类存档，务必让自己对听到稍显却即逝的乐音，有非常敏锐的接收分析能力。乍听下来，这么科学的方式，可能会受到感觉派的人讽刺——音乐哪里可以这样来感觉的！真的，这样分析音乐，确实无法担保一定就可做出动人的音乐；就像分析了黑洞原理，无法制造原初大爆炸一样。

以知识来充实自己

不过，不去了解音乐组成的各种可能性，只靠模糊的感觉是比较难走得远。至少，这是在爵士音乐的范围里讨论。我就认识一打歌者，不懂得半点乐理，或完全不懂得读谱的乐手。我的忠告是，尽量以知识来充实自己，这是我们可做到的。灵感、机会、运气这些自己无法控制的东西，也不在这讨论范围。

虽然爵士乐演奏像是我的正业，不过我也担任音乐总监、编曲、作曲、教授的身分。有些人会认为，这是为了糊口的权宜之计。我不否认这些身分增加额外收入，不过让我受益无穷的是，进行各种不同的工作（虽然都离不开音乐）让我可以清楚看到音乐的本质，似乎像鸟瞰一样，审视音乐的精髓。

比如说，为了回答学生一些问题，我得在脑海里试演自己弹琴时的手势、想法、听觉、乐理上的运用，甚至心理状态；分析后才可以有效地解说，这无形中也让我看到自己演奏时，可能犯下的错误，或者根本没想过的问题，经由解答问题后豁然大悟。

在学习即兴因而思考过的很多和声、旋律、节奏的问题，也可以运用在编曲、作曲上，或者从编曲上，得到的灵感可以运用在作曲的一个段落。

古典音乐在19世纪开始分工，作曲家和演奏家渐渐分别由不同的人来担任；庆幸的是，这样的事情并没有在爵士乐里发生，演奏家大多数也演奏自己的作品，甚至即兴，其实就是作曲，让爵士音乐家更透彻地看到音乐的全景。

当灵感匆忙降临时

说到作曲，虽然有时受委托应题目而作，大多时候，我的作品都是自发的，也不理会别人的要求而做，所以，很多是突发的灵感。灵感来了怎么办？多谢今天的科技，我就随即哼唱，把声音录在手机里，然后记录在纸上，多数就是一些点子，放在一边。文件夹里充满这些点子，有时只是一段旋律，或者几个有趣的和弦，或者一段贝司动机，或者一组节奏等，有些点子已经躺在文件夹两年了，有些则成功发展成一首作品。

曾有三个互不相关的，在不同时间点上想到的点子，竟然凑在一起，变成一首作品。很多时候学生会问，到底如何开始作曲？我的建议是就开始啊！我们很容易掉入这样的迷思：我的第一部作品，一定要惊天动地，而且总是觉得我的作品听起来好像什么曲子？

这些都是大家都会经历的过程，总是好的开始，否则，点子就永远只留在心里，那么第一部作品永远出不来。就是动手做，才知道从听到声音到把这声音化成具体的符号写在纸上，一直到演奏出来，其实是一段段的过程。就是动手做，学习如何克服一些障碍，知道自己的想像和具体情况，很多时候有所出入，训练自己如何有效地转化点子成为声音。

另外，我的一些作品灵感来自音乐上的问题，为了解答这些问题而做的曲子。打个比方，大多数音乐不都是四拍的吗？想要挑战不习惯的五拍音乐，那就尝试写一首五拍的曲子，将旋律写成自然的五拍，然后花时间练习算五拍的感觉，进而时常演奏这曲子，渐渐就会对五拍的曲子敏感，进而可以舒服地即兴了。

有目的去作曲，也可以是一种自我挑战，而且借此扩张版图，不会限制在自己现有的框框里。